Es hora de reconocer que el estatus del diseño como fuerza para el cambio social fue sólo un problema pasajero y, en cambio, aceptar su papel como arte aplicado, escribe. Juan Jervis como parte de nuestra Revisión de desempeño serie.
El culto al diseño (y al diseñador) surgió por primera vez en la década de 1950 y todavía arde con fuerza. Todavía, como argumenta persuasivamente Edwin Heathcote en un artículo reciente del Financial Timesactualmente se está produciendo una disaster existencial. Los jóvenes diseñadores se aferran con incertidumbre a los límites de una industria cómplice de la destrucción del planeta, o se retiran a la academia y el arte, esperando en vano superar sólo a través de la pasión la falta de relevancia del oficio elegido como fuerza ethical o práctica.
En realidad, sin embargo, tales dudas surgieron casi tan pronto como el culto mismo. Confianza en diseño industrial como empresa progresista nunca fue mucho más que un problema técnico, dada la breve credibilidad de modernista los esfuerzos de los arquitectos en las décadas de 1920 y 1930 por aprovechar la producción en masa para amueblar sus urbanizaciones e instituciones. Al buscar cualidades de higiene, ligereza, funcionalidad, asequibilidad e innovación tecnológica, desdeñaron el ornamento por lo que consideraban una estética racional y honesta, apropiada para los edificios y estilos de vida modernos.
La tensión entre las ambiciones éticas y las realidades corporativas rápidamente se hizo evidente
Después de la Segunda Guerra Mundial, tanto esas cualidades como esa estética fueron ampliamente adoptadas como objetivos sancionados por el Estado. Los diseñadores fueron presentados como figuras heroicas con el poder de reconcebir materiales, productos y vidas, esenciales para la reconstrucción de economías destrozadas y el desarrollo de estados de bienestar. Sin embargo, la tensión entre las ambiciones éticas y las realidades corporativas rápidamente se hizo evidente, culminando en confrontaciones tan acaloradas como la ocupación y abandono de la Trienal de Milán de 1968y El ridículo último día de la Conferencia Internacional de Diseño de 1970 en Aspen.
Esta disminución del optimismo de la posguerra se resume en la efímera «edad de oro del diseño» en Finlandia. Muebles de madera curvada diseñados por arquitectos Álvar y Aino Aalto en la década de 1930 ya había establecido la reputación del país recién independizado por un modernismo humano, incorporando los ideales nórdicos de «belleza para todos» y «diseño para la vida cotidiana».
Pero fue el Trienales de Milán de 1951 y 1954 que elevó a Finlandia al estatus de ejemplo del diseño industrial, como propuesta estética y fuerza transformadora, a la que se le atribuye su recuperación como el fénix de la destrucción en tiempos de guerra. Comisariada por Tapio Wirkkalalas exhibiciones estaban curiosamente repletas de productos que estaban lejos de ser cotidianos o igualitarios, incluidas sus propias esculturas de madera contrachapada altamente elaboradas y vidrio artístico de edición limitada, inspirados más en la naturaleza que en las formas racionales.
Este fracaso en el cumplimiento de las ambiciones democráticas fue una constante de la edad de oro. Wirkkala se había formado como escultor decorative en la tradicional Escuela Central de Artes y Oficios de Helsinki en la década de 1930. Sin embargo, es revelador que, tras este éxito en Milán, se convirtió en la persona a quien acudir cuando las industrias finlandesas de tecnología relativamente baja buscaban aprovechar el diseño modernista para actualizar las gamas de productos y hacer crecer los mercados de exportación, generalmente con precios elevados. Pronto recibió el encargo de crear bombillas e interruptores, televisores, asientos de inodoro, botellas de champú y ketchup, billetes de banco, tazas de café, cubiertos de avión, botellas de vodka (lo que sea) y lo nombraron director artístico de la Escuela Central, rápidamente rebautizada como Instituto de Artes Industriales.
Pero a pesar de la prominencia del diseño en los esfuerzos de posguerra de Finlandia para construir instituciones, infraestructura e industrias según los modelos occidentales, su posición como panacea comercial y social se volvió cada vez más inestable. Los esfuerzos concertados desde arriba para propagar el «buen gusto» modernista entre la población en common fueron sólo parcialmente efectivos.
Diseñadores como Wirkkala, Timo Sarpaneva e Ilmari Tapiovaara alcanzaron estatus de celebridad, pero los mercados nacionales de productos decorativos se mantuvieron sólidos, con tendencias people y artwork nouveau en pleno apogeo a fines de la década de 1960, haciéndose eco de los renacimientos historicistas en toda Europa. Los muebles retro, de producción barata pero genuinamente asequibles, se vendieron más que los productos modernistas y encontraron mercados de exportación en la Unión Soviética.
A pesar de su brillo ethical, el papel clave del modernismo fue facilitar el capitalismo fetichizando el estilo.
Quedó claro que los diseñadores nombrados añadían un valor limitado a los artículos cotidianos, en términos funcionales o comerciales. El «diseño finlandés» podría atraer pedidos de consumidores de alto nivel, restaurantes elegantes o embajadas de exhibición, pero no fue suficiente para proteger a las industrias masivas de la desaceleración económica, la competencia internacional y los aranceles reducidos, lo que llevó a las empresas emblemáticas a recortar gamas, producción y private en la década de 1970.
Paralelamente a los enfrentamientos en Milán y Aspen, la educación estaba en disaster. Una cohorte más joven (irónicamente que ahora cuenta con una formación industrial pero que quedó fuera de la práctica por una superfluidad de estrellas envejecidas) criticó el consumismo, el sexismo, la exclusividad y los impactos sociales y ambientales negativos del diseño.
Los planes de estudio cambiaron hacia la igualdad, la ecología y la seguridad, de una manera que probablemente no atraiga a la industria o al gobierno. El malestar provino de un lugar de desilusión: la comprensión de que, a pesar de su brillo ethical, el papel clave del modernismo period facilitar el capitalismo fetichizando el estilo y sirviendo a una élite para obtener ganancias.
A medida que la edad de oro decayó, los diseñadores finlandeses emplearon pop, plástico y posmodernismo criticar las deficiencias estéticas, intelectuales, prácticas o espirituales del diseño, pero sus esfuerzos no hicieron más que acelerar la fragmentación. Como en otros lugares, los diseñadores de renombre trabajaron con marcas de lujo para diseñar novedades de moda para las clases propietarias de capital, un proceso acelerado por el growth económico de los años 80.
Otros se dedicaban a actividades anónimas trastiendas para grandes corporaciones, a menudo proporcionando revestimientos para bienes industriales y de consumo concebidos y dados forma mediante la ingeniería y la tecnología. Otros más se retiraron a la producción artesanal a menor escala, o a una academia introvertida y enojada, postulando el diseño como una potente herramienta crítica, pero hablando a una audiencia elegida, sirviendo más para aumentar la insularidad del diseño que para remediar sus problemas.
Que es en gran medida, como señala Heathcote, donde nos encontramos hoy.
El diseño debe estar orgulloso de desempeñar un papel contribuyente en equipos multidisciplinarios.
En verdad, el diseño industrial debería haber abandonado sus pretensiones mesiánicas hace mucho tiempo. La asociación con los estados de bienestar y las reformas sociales fue rápidamente dejada de lado por las corporaciones y las ganancias en los años de la posguerra.
Mantener esa relación ilusoria hoy refuerza el diseño como herramienta consumista, una marioneta conveniente para comercializar productos innecesarios. Halaga a los clientes que sus elecciones de moda son de importancia crítica para la sociedad, ya sea «impulsando el cambio» o «experimentando nuevas formas de vida». Y también apuntala un frágil ecosistema académico, salvando su conciencia con una retórica exagerada y un espectáculo decepcionante en entornos patrocinados, que llegan a pocos y cambian poco en la práctica o en la esencia.
La honestidad implicaría aceptar la realidad de ser una industria de servicios, con demasiada frecuencia enredada y comprometida por el capitalismo –al igual que el resto de nosotros– y igualmente carente de agencia.
Sin embargo, el diseño debería enorgullecerse de desempeñar un papel contribuyente en equipos multidisciplinarios, por ejemplo en atención médica o energías renovables, en lugar de exigir una facturación máxima. Y también debería reconocer su papel como arte aplicado, en continuidad y simpatía con predecesores que han reflejado y dado forma a nuestra vida artística e intelectual durante siglos, responsables de muchas de nuestras creaciones culturales más perdurables, que llenan nuestras casas, museos, bibliotecas e imaginación.
En última instancia, el diseño modernista terminó siendo una propuesta decorativa, a pesar de presentar constantemente su estética (innegablemente atractiva) como un subproducto de una empresa ética mayor. Es engañoso pretender que El equipo de audio monocromático de Braun de los años 60 existe en un plano ethical o funcional diferente al de los exuberantes boomboxes de JVC una década más tarde, o que un Arne Jacobsen una cuchara sopera es mejor que una victoriana.
Todos deben ser apreciados por comunicar belleza y alegría mientras realizan su trabajo. Si esas admirables cualidades son insuficientes en su búsqueda por cambiar el mundo, entonces transfiéralas a la tecnología, la ingeniería, la ciencia o, mejor aún, la política. Ponga sus habilidades al servicio de actividades que están impactando a la sociedad y al planeta de manera urgente e inmediata, de una manera que décadas de asientos prototípicos de hongos o cucharas inventivas nunca lo harán.
John Jervis es escritor, editor, director de proyectos y escritor fantasma que ha escrito para Icon, Body, RIBA Journal, Apollo, ArtAsiaPacific, Thames & Hudson, ACC, WePresent, Laurence King y otros. Su primer libro, 50 ideas de diseño que realmente necesitas saberfue publicado en 2024.
La foto es cortesía de los Archivos de la Universidad Aalto.
Revisión de desempeño
Este artículo es parte de Dezeen. Revisión de desempeño Serie que interroga los problemas que afectan a la arquitectura y el diseño, desde las difíciles condiciones de trabajo hasta los dilemas éticos.
